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INTRODUCCIÓN
El teatro es un género literario creado para ser representado. Es el
arte de componer obras dramáticas. Las artes escénicas tratan todo
lo relativo a la escritura, la interpretación, la producción, los
vestuarios y los escenarios. Drama tiene origen griego y significa
"hacer", y se asocia a la idea de acción. Se entiende por drama la
historia que narra los acontecimientos de unos personajes.
Tiene su origen en las danzas realizadas por el hombre primitivo
alrededor del fuego. Estas escenas tuvieron repercusión en China,
Japón e India. En la coronación de los faraones se hacían
representaciones teatrales simbólicas. En Grecia nació el edificio
público destinado a la representación.
El teatro se ha utilizado como complemento de celebraciones
religiosas, como medio para divulgar ideas políticas, para difundir
propaganda, como entretenimiento y como arte. También se conoce como
teatro el edificio donde se representan las obras dramáticas.
ELEMENTOS DE LA REPRESENTACIÓN TEATRAL
Una representación consta de dos elementos esenciales: actores y
público. La representación puede ser mímica o utilizar el lenguaje.
Los personajes no tienen que ser siempre seres humanos. Los títeres
o el guiñol han sido muy apreciados a lo largo de la historia. Se
puede realzar una representación mediante el vestuario, el
maquillaje, los decorados, los accesorios, la iluminación, la música
y los efectos especiales. Estos elementos se usan para ayudar a
crear una ilusión de lugares, tiempos, personajes diferentes, o para
enfatizar una cualidad especial de la representación y diferenciarla
de la experiencia cotidiana.
NACIMIENTO DEL TEATRO
El teatro nació en Atenas, Grecia, entre los siglos V y VI Antes de
Cristo. Los atenienses celebraban los ritos en honor a Dionisio,
dios del vino y de la vegetación. Estas primitivas ceremonias
rituales acaban evolucionando hacia el teatro, constituyendo uno de
los principales logros culturales de los griegos. Cada una de las
ciudades y colonias contó con un teatro.
El primer teatro construido fue dedicado a Dionisio. Se dividía en
tres partes la orquesta, el lugar para los espectadores y la escena.
Los primeros teatros griegos constaban de dos formas: un espacio
circular donde se alzaba la estatua de Dionisio y el hemiciclo para
los espectadores. Se accedía a través de dos callejones. Las gradas
tenían forma de semicírculo.
Los romanos adoptaron la forma y la disposición de los teatros
griegos pero construyeron gradas en los lugares donde no existían
colinas.
PRIMER PERÍODO: TEATRO GRIEGO Y ROMANO
TEATRO GRIEGO
Las formas teatrales del drama griego eran la tragedia, el drama
satírico, la comedia y el mimo. Las dos primeras estaban
consideradas las más civilizadas, mientras que las dos últimas se
asociaban con lo primitivo.
Los actores iban vestidos con la ropa al uso pero portaban máscaras
que permitían la visibilidad y ayudaban al espectador a reconocer la
característica del personaje.
LA TRAGEDIA
La tragedia es una representación dramática capaz de conmover y
causar pena, que tiene un desenlace funesto. Destacaron los
escritores ESQUILO, SÓFOCLES y EURÍPIDES.
Aquí se presentan algunas características de la tragedia:
a) Las obras son solemnes, escritas en verso y estructuradas en
escenas-
b) Las historias están basadas en mitos o antiguos relatos.
c) Eran obras de poca acción.
Aristóteles decía que la tragedia debe estar lo más que se pueda
bajo un mismo periodo de sol o excederlo un poco. En poco más de un
siglo los griegos crearon dramas y comedias que aún interesan y
conmueven.
Esquilo ha sido llamado el padre del drama griego porque contribuyó
a que las representaciones teatrales se transformaran en
espectáculos. Sus obras más conocidas son Prometeo encadenado y
Antígona.
Sófocles era instruido, amable y tolerante y gozó de gran simpatía y
popularidad. Sus principales obras Antígona y Edipo Rey se siguen
llevando a escena.
Eurípides tenía fama de huraño. Sus principales obras son Electra y
Orestes, Efigenia en Aulida y Efigenia en Taurida.
Los grandes trágicos griegos establecieron las características del
teatro que se ha convertido en el género literario que todos
conocemos.
LA COMEDIA
La comedia se desarrolló hacia la mitad del siglo V Antes de Cristo.
Las comedias más antiguas que se conservan son las de ARISTÓFANES.
Tienen una estructura muy cuidada derivada de los antiguos ritos de
fertilidad. Su comicidad consistía en una mezcla de ataques
satíricos a personalidades públicas. Para el siglo IV Antes de
Cristo, la comedia había sustituido a la tragedia como forma
dominante.
Luego apareció un tipo de comedia local, llamada "nueva". En las
obras de MENANDRO, el gran autor de comedias nuevas, la trama gira
alrededor de una complicación o situación que tiene que ver con
amor, dinero, problemas familiares y similares.
TEATRO ROMANO
El teatro romano no se desarrolló hasta el siglo III Antes de
Cristo. Al principio se asociaba con festivales religiosos, pero la
naturaleza espiritual se perdió pronto. Al incrementarse el número
de festivales, el teatro se convirtió en un entretenimiento. No es
de extrañar que la forma más popular fuera la comedia. El periodo de
creación dramática romano empezó en el siglo II Antes de Cristo, y
estuvo dominado por las comedias de PLAUTO y TERENCIO, que eran
adaptaciones de la comedia nueva griega. Las obras se basaban en una
intriga de carácter local.
Este primer período se denomina clásico, porque comprende el teatro
de las civilizaciones clásicas, Grecia y Roma, y las obras están
escritas en griego o latín.
Alrededor del final del siglo II Después de Cristo, el teatro
literario entra en declive y es sustituido por otros espectáculos y
entretenimientos más populares. La Iglesia cristiana atacó el teatro
romano y contribuyó al declive del teatro así como a considerar a
las personas que participaban en él como inmorales. Con la caída del
Imperio romano en el 476 Después de Cristo, el teatro clásico decayó
en Occidente y no resurgió hasta 500 años más tarde. Sólo los
artistas populares, conocidos como juglares y trovadores,
sobrevivieron y proporcionaron un nexo de continuidad.
TEATRO MEDIEVAL
El teatro español, al igual que el europeo, surge vinculado al culto
religioso. La misa, es en sí misma un drama, una representación de
la muerte y resurrección de Cristo. Serán los clérigos los que creen
los primeros diálogos teatrales: los tropos, con los que
escenificaban algunos episodios relevantes de la Biblia. Estas
representaciones, se fueron haciendo más largas y espectaculares
dando lugar a un tipo de teatro religioso que fue el teatro medieval
por excelencia. Poco a poco se fueron añadiendo elementos profanos y
cómicos a este tipo de representaciones que, por razones de decoro,
terminaron por abandonar las iglesias y comenzaron a realizarse en
lugares públicos.
TEATRO MEDIEVAL PROFANO
En el siglo XIV, el teatro se emancipó del drama litúrgico para
representarse fuera de las iglesias y evolucionó en ciclos que
podían contar con hasta 40 dramas. Algunos estudiosos creen que los
ciclos surgieron de forma independiente. Eran producidos por toda
una comunidad cada cuatro o cinco años. Las representaciones podían
durar de dos días a un mes.
Como los intérpretes eran aficionados y analfabetos, las obras se
escribían en forma de copla de fácil memorización.
AUTOS
Durante este periodo, surgieron obras folclóricas, farsas y dramas
pastorales y persistían varios tipos de entretenimientos populares.
Todo esto influyó en el desarrollo de los autos durante el siglo XV.
Los autos diferían de los ciclos religiosos en el hecho de que no se
trataba de episodios bíblicos, sino alegóricos, y estaban
representados por profesionales como los trovadores y juglares.
TEATRO DEL RENACIMIENTO
La Reforma protestante supuso el fin del teatro religioso en el
siglo XVI, y el teatro profano ocupó su lugar. Aunque los autos y
los ciclos parezcan estar muy lejos de los dramas de Shakespeare y
Moliére, los temas de la baja edad media, el giro hacia temas más
laicos y preocupaciones más temporales y la reaparición de lo cómico
y lo grotesco contribuyeron a la nueva forma de hacer teatro. La
participación de actores profesionales en las obras fue sustituyendo
a los entusiastas aficionados.
TEATRO NEOCLÁSICO
El teatro del renacimiento tomó una forma nueva con visos de
clasicismo. Esta fórmula es conocida como neoclasicismo.
Las primeras muestras de teatro renacentista en Italia datan del
siglo XV. Las primeras obras son en latín, pero acaban escribiéndose
en lengua vernácula y estaban basadas en modelos clásicos. Este
teatro no fue una evolución de las formas religiosas. Se trataba de
un proceso académico. Eran obras pensadas para ser leídas, aunque
fuera por varios lectores y en público, y con fines didácticos.
CREACIÓN DE LA ÓPERA
Las elaboradas exhibiciones escénicas y las historias alegóricas de
los intermezzi, y los continuos intentos de recrear la producción
clásica, llevaron a la creación de la ópera a finales del siglo XVI.
Aunque el primer teatro de corte clasicista tenía un público
limitado, la ópera se hizo muy popular. A mediados del siglo XVII,
se estaban construyendo grandes teatros de la ópera en Italia.
COMMEDIA DELL'ARTE
Mientras la elite se entretenía con el teatro y el espectáculo de
estilo clasicista, el público en general se divertía con la commedia
dell'arte, un teatro popular y vibrante basado en la improvisación.
DESARROLLO DEL TEATRO FRANCÉS
A finales del siglo XVI era popular en Francia un tipo de comedia
similar a la farsa. Este fenómeno dificultó el establecimiento del
drama renacentista. En aquel tiempo no existían en París edificios
dedicados al teatro, utilizándose recintos destinados al juego de
pelota. La influencia italiana en Francia llevó a popularizar
representaciones que fueron denominados ballets.
Moliére está considerado como el gran dramaturgo francés. Sus farsas
y comedias de costumbres reciben en su mayoría una influencia
directa de la commedia dell’arte, pero van más allá de su objetivo
específico y pueden considerarse como observaciones sobre las
limitaciones y errores del género humano. Muchas de sus obras están
imbuidas de una cierta amargura.
Sus principales obras son El tartufo, El avaro, El enfermo
imaginario y Las preciosas ridículas.
Moliére fue también un actor cómico de excepción en su tiempo, y
trabajó con el objetivo de alterar el estilo histriónico y ampuloso
que entonces dominaba la escena francesa.
TEATRO ISABELINO INGLÉS Y DE LA RESTAURACIÓN
El teatro renacentista inglés se desarrolló durante el reinado de
Isabel I a finales del siglo XVI. En aquel tiempo, se escribían
tragedias academicistas de carácter neoclásico que se representaban
en las universidades. La mayoría de los poetas isabelinos tendían a
ignorar el neoclasicismo o, lo usaban de forma selectiva. A
diferencia del teatro continental, el teatro inglés se basó en
formas populares, en el vital teatro medieval, y en las exigencias
del público en general.
Las obras se representaban durante los meses más cálidos en teatros
circulares y al aire libre.
Bajo la influencia del clima de cambio político y económico en la
Inglaterra del momento, así como de la evolución de la lengua,
dramaturgos como Thomas Kyd, Ben Jonson y Christopher Marlowe dieron
lugar al nacimiento de un teatro dinámico, épico y sin cortapisas
que culminó en el variado y complejo trabajo del más grande genio
del teatro inglés, WILLIAM SHAKESPEARE.
Christopher Marlowe se hizo famoso por las obras El judío de Malta y
El doctor Fausto. Ben Johnson destaca por Volpone o el zorro.
Obras de William Shakespeare como Hamlet, Macbeth, Romeo y Julieta,
Julio César, El rey Lear, Otelo o El sueño de una noche de verano,
se siguen representando con la misma viveza que cuando fueron
escritas.
TEATRO ESPAÑOL DEL SIGLO DE ORO
El siglo XVII fue el Siglo de Oro del teatro en España. Este Acota
uno de los periodos más fértiles de la dramaturgia universal, si
bien la propia forma de denominar esta época ha sido conflictiva de
unos países a otros.
Se crean las primeras salas teatrales llamadas corrales de comedias,
que eran gestionadas por las hermandades, verdaderos precedentes del
empresario teatral moderno. Van a proliferar los autores, las obras
y las compañías. El teatro deja de ser un acontecimiento restringido
para convertirse en un producto competitivo, sujeto a las leyes de
la oferta y la demanda. Un interesante debate teórico acompaña el
nacimiento y desarrollo de esta forma nueva de entender el teatro.
Dos autores de la época nos sirven para ilustrar el sentido y la
evolución de este debate y del arte teatral: CERVANTES y LOPE DE
VEGA, pero también debemos de citar a CALDERÓN DE LA BARCA Y TIRSO
DE MOLINA.
Lope de Vega dio forma definitiva a la comedia española
convirtiéndola en género nacional. Escribió cerca de 2000 obras que
Menéndez Pelayo clasificó en religiosas, mitológicas, legendarias,
pastoriles, caballerescas, novelescas, de costumbres y enredos. Sus
principales obras son El mejor alcalde el rey, Peribañez y el
Comendador de Ocaña, Fuenteovejuna o Porfiriar hasta morir.
Miguel de Cervantes legó una obra fecundísima entre las que podemos
destacar La dama boba, El caballero de Olmedo, La niña de plata y El
castigo sin venganza.
Calderón de la Barca llevó a la perfección la técnica de la escena y
se teatro barroco llegó a representarse ante la corte. Sus obras más
conocidas son El alcalde de Zalamea, La vida es sueño, El mayor
monstruo, Los celos, El príncipe constante y El mágico prodigioso.
Tirso de Molina es el creador del tipo de Don Juan en El burlador de
Sevilla. Otras obras suyas son El vergonzoso en palacio, Don Gil de
las calzas verdes y El condenado por desconfiado.
TEATRO DEL SIGLO XVIII
El teatro del siglo XVIII era en gran parte de Europa, un teatro de
actores. Estaba dominado por intérpretes para quienes se escribían
obras ajustadas a su estilo Estos actores adaptaban clásicos para
complacer sus gustos y adecuar las obras a sus características. Las
obras de Shakespeare eran alteradas hasta no poder ser reconocidas
no sólo para complacer a los actores sino, también, para ajustarse a
los ideales neoclásicos.
Destacamos a Goethe y Schiller los más importantes representantes
del teatro alemán. Goethe destaca por Las penas del joven Werhter.
Goetz van Berlichingen, Egmont, Wilheim Meister y Fausto.
Schiller escribió dramas clásicos de la cultura alemana como Los
bandidos, Don Carlos, Guillermo Tell y Wallestein.
TEATRO DEL SIGLO XIX
A lo largo del siglo XVIII ciertas ideas filosóficas fueron tomando
forma y finalmente acabaron fusionándose y cuajando a principios del
siglo XIX, en un movimiento llamado romanticismo.
Uno de los principales renovadores del teatro en este siglo es el
noruego Henrik Ibsen, fundador del teatro de ideas en oposición al
teatro, de acción propiamente dicha. Analiza en sus obras las
relaciones sociales y humanas del siglo XIX.
Destacamos entre sus obras Casa de muñecas, Espectros, Hedda, Gabler
y Peer Gynt.
TEATRO ROMÁNTICO
El romanticismo apareció en Alemania, un país con poca tradición
teatral antes del siglo XVIII. Alrededor de 1820, el romanticismo
dominaba el teatro en la mayor parte de Europa.
El teatro romántico español buscó la inspiración en los temas
medievales y presenta a un héroe individual dominado por las
pasiones. Se recuperan las formas y estructuras del teatro del Siglo
de Oro. La voz engolada y el verso rotundo triunfan en el teatro
romántico español. Su gran figura es José Zorrilla, el autor de Don
Juan Tenorio. El tema del burlador es retomado con gran libertad por
Zorrilla y en su entusiasmo romántico hace que sea el amor quien
redime al seductor. La fuerza y encanto de este personaje y obra ha
conseguido que nunca haya dejado de representarse en algún teatro
español.
MELODRAMA
Las mismas fuerzas que condujeron al romanticismo también, en
combinación con varias formas populares, condujeron al desarrollo
del melodrama, el género dramático más arraigado en el siglo XIX. El
melodrama como literatura es a menudo ignorado o ridiculizado,
cuando menos desdeñado por los críticos, porque aporta imágenes de
villanos que se atusan el bigote o heroínas sujetas a vías de tren.
TEATRO BURGUÉS
Proponía una recreación de lo local y de la vida en el hogar. El
espectador debía tener la impresión de asistir a un hecho real y a
ello vino a contribuir el escenario de tres paredes con el objetivo
de que el público observe a través de la imaginaria cuarta pared.
NATURALISMO Y CRÍTICA SOCIAL
A mediados del siglo XIX el interés por el detalle realista, las
motivaciones psicológicas de los personajes, la preocupación por los
problemas sociales, condujo al naturalismo en el teatro. Acudiendo a
la ciencia en busca de inspiración, los naturalistas sintieron que
el objetivo del arte, como el de la ciencia, debía ser el de mejorar
nuestras vidas. Los dramaturgos y actores, como los científicos, se
pusieron a observar y a retratar el mundo real.
APARICIÓN DEL DIRECTOR
El naturalismo es responsable en gran medida de la aparición de la
figura del director teatral moderno. Aunque todas las producciones
teatrales a lo largo de la historia fueron organizadas y unificadas
por un individuo, la idea de un director que interpreta el texto,
crea un estilo de actuación, sugiere decorados y vestuario y da
cohesión a la producción, es algo moderno.
REALISMO PSICOLÓGICO
Las obras demuestran problemas sociales como la enfermedad genética,
la ineficacia del matrimonio como institución religiosa y social, y
los derechos de las mujeres, pero también son valiosos por sus
convincentes estudios de individuos.
TEATRO DEL SIGLO XX
Desde el renacimiento en adelante, el teatro parece haberse
esforzado en pos de un realismo total, o al menos en la ilusión de
la realidad. Una vez alcanzado ese objetivo a finales del siglo XIX,
una reacción antirrealista en diversos niveles irrumpió en el mundo
de la escena.
En el siglo XX el teatro toma un impulso renovador. Las ideas
naturalistas, simbólicas, realistas, impresionistas y
neorrománticas, han sumado su influencia a la del cine.
En los comienzos de siglo destacamos en España a Jacinto Benavente y
Ramón María del Valle Inclán.
La producción de Jacinto Benavente alcanzó las 130 obras. Destacamos
La noche del sábado, gente conocida, Campo de arnillo, Rosas de
otoño, Pepa Doncell. Recibió el premio Nobel de Literatura en 1922.
Ramón María del Valle Inclán se sitúa en la corriente modernista e
impone lirismo a su prosa. Se caracteriza por la suntuosidad de su
estilo. Sus principales obras son Águila de blasón, Romance de
lobos, Cara de plata, Divinas palabras y Luces de Bohemia.
Federico García Lorca destaca por el lenguaje lleno de metáforas y
por inusitadas figuras renovadoras. Se nutre de lo más genuino y
popular de la tierra española. Sus obras más destacadas son Mariana
Pineda, Doña Rosita la soltera, La zapatera prodigiosa, Bodas de
sangre, Yerma y La Casa de Bernarda Alba.
TEATRO SIMBOLISTA
Los simbolistas hicieron una llamada a la "desteatralizació" del
teatro, que se traducía en desnudar el teatro de todas sus trabas
tecnológicas y escénicas del siglo XIX, sustituyéndolas por la
espiritualidad que debía provenir del texto y la interpretación. Los
textos estaban cargados de simbología de difícil interpretación, más
que de sugerencias. El ritmo de las obras era en general lento y
semejante a un sueño.
TEATRO EXPRESIONISTA
El movimiento expresionista tuvo su apogeo en las dos primeras
décadas del siglo XX, principalmente en Alemania. Exploraba los
aspectos más violentos y grotescos de la mente humana, creando un
mundo de pesadilla sobre el escenario. Desde un punto de vista
escénico, el expresionismo se caracteriza por la distorsión, la
exageración y por un uso sugerente de la luz y la sombra.
GRUPOS TEATRALES
Quizás se deba a la influencia de Antonin Artaud la aparición de una
serie de grupos de teatro durante la década de 1960.
TEATRO DEL ABSURDO
De la segunda guerra mundial nació el teatro del absurdo, que carece
de lógica, lo que de ningún modo se puede vincular o relacionar con
un texto dramático o un contexto escénico.
TEATRO CONTEMPORÁNEO
El teatro realista continuó vivo en el ámbito comercial, sobre todo
en Estados Unidos. El objetivo parecía ser el realismo psicológico,
y se emplearon para este fin recursos dramáticos y escénicos no
realistas. Existen obras basadas en la memoria, secuencias sobre
sueños, personajes puramente simbólicos, proyecciones y otros
recursos similares. Incorporan diálogos poéticos y un fondo sonoro
cuidadosamente orquestado para suavizar el realismo crudo. La
escenografía era más sugerente que realista.
MUSICAL
En la década de 1920 los musicales surgieron a partir de una libre
asociación en forma de serie de canciones, danzas, piezas cortas
cómicas basadas en otras historias, que algunas veces eran serias, y
se contaban a través del diálogo, la canción y la danza. Un grupo a
cargo de Richard Rodgers y Oscar Hammerstein II perfeccionó esta
forma en la década de 1940. Ya durante la década de 1960 gran parte
del espectáculo había dejado el musical para convertirse en algo más
serio. A finales de la década siguiente, posiblemente como resultado
de crecientes problemas políticos y económicos, volvieron los
musicales bajo un signo de desmesura y lujo, haciéndose hincapié en
la canción, el baile y la comedia fácil.
EL TEATRO EN LATINOAMÉRICA
Se tienen pocas nociones de cómo pudieron ser las manifestaciones
escénicas de los pueblos precolombinos, pues la mayor parte de éstas
consistían en rituales religiosos. Existe un único texto dramático
maya, descubierto en 1850, el Rabinal-Achi, que narra el combate de
dos guerreros legendarios que se enfrentan a muerte en una batalla
ceremonial. Su representación depende de distintos elementos
espectaculares como el vestuario, la música, la danza y la expresión
corporal. A partir de la época colonial, el teatro se basa en los
modelos procedentes de España.
No es hasta mediados del siglo XX cuando el teatro latinoamericano
ha adquirido cierta personalidad, al tratar temas propios tomando
como punto de partida la realidad del espectador a quien va
destinado. Se caracteriza por su notable vigor. Surge el teatro
social.
El dramaturgo Augusto Boal, en Brasil, desarrolló técnicas de teatro
callejero y para obreros, y es autor del texto Teatro del oprimido.
Grupos como Rajatabla y La Candelaria se han preocupado por realizar
un teatro que sirva como medio de discusión de la realidad social,
sin dejar al margen el aspecto espectacular y estético del drama.
EL TEATRO ORIENTAL
El teatro oriental en general tiene ciertas características en común
que lo distinguen del teatro posrenacentista occidental. El teatro
asiático es presentacional, ya que la idea de representación
naturalista es del todo ajena a él. Aunque los teatros de los
diferentes países varían, son obras integradoras de las diversas
artes que mezclan literatura, danza, música y espectáculo.
TEATRO INDIO Y DEL SURESTE ASIÁTICO
El teatro indio en sánscrito floreció en los siglos IV y V. Las
piezas estaban estructuradas sobre la base de nueve rasas, o
humores, más que en los personajes, ya que el eje de las obras eran
las cuestiones espirituales. Los escenarios tenían una decoración
laboriosa, pero no se usaban técnicas representacionales. Los
movimientos de cada parte del cuerpo, la recitación y la canción
estaban rígidamente codificados. Las marionetas y el teatro danzado,
han sido muy apreciados en varios momentos de la historia de la
India.
En el Sureste asiático, el teatro de marionetas es la forma
dominante, en especial el wayang kulit, o marionetas de sombras, en
Java. En algunos sitios las marionetas son tan apreciadas que los
actores estudian sus movimientos para imitarlos.
TEATRO CHINO
El teatro chino empezó a desarrollarse en el siglo XIV; era muy
literario y tenía convenciones muy estrictas. Desde el siglo XIX, ha
sido dominado por la ópera de Pekín. En ella se da una importancia
primordial a la interpretación, el canto, la danza y las acrobacias
más que al texto literario. La representación puede describirse como
una colección de extractos de varias obras literarias combinados con
una exhibición acrobática. La acción tiende a ser oscura y el
énfasis se centra en la habilidad de los actores. El escenario es
una plataforma desnuda con el mobiliario estrictamente necesario.
Las acciones son estilizadas, los papeles codificados y el
maquillaje es elaborado y grotesco; los colores son simbólicos. Bajo
el gobierno comunista la temática ha cambiado, pero el estilo ha
seguido siendo más o menos el mismo.
TEATRO JAPONÉS
El teatro japonés comenzó en el siglo VII Después de Cristo y es el
más complejo de Oriente. Sus dos géneros más conocidos son el teatro
nô y el kabuki. Nô, el teatro clásico japonés es estilizado; la
síntesis de danza-música-teatro extremadamente controlada intenta
evocar un ánimo particular a través del relato de un hecho o
historia. Está muy relacionado con el budismo Zen. El apogeo del nô
tuvo lugar en el siglo XV. El kabuki data del siglo XVI y es más
popular en estilo y contenido. Otros géneros dramáticos japoneses
son el bugaku, un refinado teatro danzado, así como un teatro de
marionetas o muñecos llamado bunraku, en el que los intérpretes
sobre el escenario manipulan unas marionetas casi de tamaño natural.
Todas las formas dramáticas se apoyan en el ritual, la danza y la
tradición. Son elegantes y bellas, y ponen el énfasis en valores
opuestos a los del teatro occidental. |
